El Body Art o Arte Corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en Europa en los años 1960 y, en especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, al que se lo pinta, calca, ensucia, tatúa, cubre. El cuerpo se transforma en el lienzo o en el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
Dentro de la categoría general de Body Art, podemos definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.
Probablemente el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenecía a su grupo y situarse en relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convertía en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sencillamente servían de ornamento. La pintura corporal reaparece en Occidente a fines del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un diseño sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria, el World Bodypainting Festival en Bruselas, y en Bélgica el Festival Internacional de la película fantástica, The International Body Painting Contest.
Práctica moderna de la pintura corporal: La pintura corporal hoy, conocida como Body Art, es practicada en las sociedades occidentales con otros objetivos sobre todo lúdicos, artísticos y decorativos. Su carácter espectacular convierte a esta actividad en algo sumamente valorado debido a la técnica en conjunto con la creatividad de los artistas que la desarrollan. La temática de la pintura corporal es sumamente variada. Dentro de los temas preferidos podemos mencionar los animales: felinos en la mayoría de los casos. También serpientes y arañas se integran a figuras decorativas muchas veces abstractas. Otro de los temas preferido por los artistas es el fantástico: criaturas multicolores, proporcionadas de alas, antenas, garras recorren los festivales alrededor del mundo. Se encuentran también el camuflaje: el cuerpo se integra a su medio ambiente, árboles, papel o paredes decrépitas. En muchos países la pintura corporal se utiliza durante los festejos del carnaval. Performance: antecedentes Si bien fue en los 60´s y 70´s el auge de este tipo de expresiones fuertemente corporales, presenciales, experimentales, activistas, hubo un largo recorrido anterior, un fluir, entre el ritual y el entretenimiento, entre la eficacia y el espectáculo, desde el nacimiento de la cultura. Pero entre los historiadores del arte, hay cierto acuerdo en reconocer el nacimiento de la performance art de mano de los Futuristas italianos durante los convulsionados primeros años del siglo XX. También Tristan Tzara y los artistas del Cabaret Voltaire realizaron acciones similares. A fines de los años 30, Antonin Artaud tuvo una influencia decisiva en los artistas de entreguerras, con El teatro y su doble, fundando un teatro de la vida, de la autenticidad, del gesto y de la improvisación.
En los 60, con los grupos que crearon el Accionismo vienés, la Situacionista Internacional, Fluxus y los Happenings, este tipo de arte se terminó de afianzar. Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler realizaron, entre los 60 y los 70, performances extremas, en las que sus cuerpos eran sometidos a un grado de violencia muy grande. Frecuentemente eran llevados a prisión por períodos breves, acusados de violar las leyes de decencia, y sus trabajos eran caratulados como "fuera de la moral". Yves Klein, Vito Acconci, Marina Abramovic, Valie Export, John Cage, Hermann Nitsch, Chris Burden, Carolee Schneemann, Yoko Ono, Joseph Beuys, Wolf Vostell y Allan Kaprow fueron otros artistas que fundaron la performance en los 60. En 1970 el dúo británico Gilbert and George creó la primera "escultura viviente", constituida por una performance durante la cual se pintaban de oro y sangre.
Pero quizá sea la obra de los accionistas vieneses, autoagresivas y extremas, la que más llama la atención, aunque todos los perfomers de esas décadas buscaban al ser humano "auténtico", no "castrado" por al funcionalismo de la sociedad; al hombre que vive por fuera de las leyes de la conveniencia o del provecho.
En Latinoamérica, la performance estuvo ligada no sólo a la importación de tendencias vanguardistas desde Europa y Estados Unidos, sino a los rituales de origen indígena propios de los pueblos originarios de las distintas regiones y también a su circulación interna. Pueden distinguirse, entonces, diferencias estéticas y conceptuales entre las acciones de estas regiones, en comparación de las antes nombradas, pero sin duda la razón principal es que los artistas que experimentan con este tipo de género tienden a producir obras autorreferenciales, que mucho tienen que ver con sus contextos, con sus entornos socioculturales. Si bien es lícito afirmar que la acción representada por las estatuas vivientes es la confluencia entre performance y body art, éstas cambian completamente su sentido inicial. Ya no son la alternativa a un medio en decadencia ni la negación de la tradición del Arte, sino un medio más a disposición del artista, del cual puede hacer uso a voluntad, sin rechazar la posibilidad de alternarlo con los medios tradicionales.
VIDEO MAPPING EN LOURDES
El pasado 30 de Septiembre en Lourdes se realizó un espectáculo de videomapping sobre la iglesia. Las producciones artísticas fueron creadas por estudiantes de la Universidad de los Andes, en las que se pudo disfrutar de la mezcla de imàgenes tridimensionales y sonidos estridentes que le iban dando vida a las proyecciones. Aunque hubo lluvia, esto no empañò el espectáculo que cientos de personas disfrutaron. Los temas alusivos a la naturaleza fueron el centro de admiración con un realismo bien logrado, ademàs de las simulaciones de movimientos de fichas y cajones que encuadraban diferentes figuras arquitectónicas y las partes que daban forma a cada uno de los recobecos de la arquitectura de la iglesia. Los alcances de las nuevas tecnologías son el fundamento de estos artistas quienes se valen de ello para buscar nuevas formas de concebir el arte.
PELICULAS
En las peliculas descritas a continuaciòn se puede encontrar un acercamiento a la vida de artisas representativos de diferentes disciplinas.De una u otra forma el formato del cine adopta la vida de los personajes y la pone al alcance y conocimiento de los espectadores para que cada quién sustraiga los hechos más significativos y le dé su propia apreciación. Aquí se encuentran descritas las mias.
AMADEUSAmadeus es un paralelo entre los tocados por Dios con grandiosos dones y aquellos que no , pero se esfuerzan por conseguirlos. Muchas veces pareciera que la vida se pone en contra de aquellos ideales que se buscan y que todos los actos conllevan en la dirección equivocada de lo que se quiere, esto es lo que le ha sucedido a Salieri. La envidia que le profiere a Mozart fortalece sus virtudes y lo hace mucho más grande en la música. Mozart parece no aprovechar la divinidad del don que Dios le ha concedido y lo desperdicia con una vida pagana mientras que Salieri le ha entregado su vida y castidad a Dios. Es paradògico que aquel que parece tener una vida desordenada goce del reconocimiento de su mùsica mientras que la entrega y la disciplina no sean suficientes para que Salieri triunfe. Si esta historia se compara con tantas que suceden a diario habrìa que discernir cuàl es el secreto de los verdaderos triunfadores. ¿Una vida disciplinada? o ¿desarrollar las competencias que cada quien tiene? En mi opinión el secreto del exito se encuentra en desarrollar aquellas competencias que a cada uno se le facilita y combinarlos con una dosis de disciplina.
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LA JOVEN DE LA PERLA
El filme esboza la historia de la que pudo se una de las muzas del pintor holandes Johannes Vermmer. La joven Griet es una criada que ha sido contratada por Johannes Vermmer, trabaja para mantener a su familia con sòlo diecisiete años, poco a poco va llamando la atención del pintor quièn la va introduciendo en el mundo de la pintura tras descubrir la habilidades de Griet. A pesar de sus diferencias se van involucrando. Su suegra, María Thins, quien es una mujer manipuladora que constantemente busca mantener su la familia unida y sin necesidades, consiente la relación de su yerno y la criada con tal de mantenerse. Sumergida en una caótica familia de católicos encabezada por la volátil esposa de Vermeer Catharina, y rodeada de niños, Griet está cada vez mas expuesta a grandes riesgos. Cornelia, una niña de doce años que ve mas de lo que debería, pronto se pone celosa y sospecha de Griet. Esto le puede traer problemas. Sola y sin protección alguna, Griet también llama la atención de Pieter, un chico carnicero del pueblo, y del patrón de Vermeer, el rico Van Ruijven, que se siente frustrado porque su dinero no consigue comprar el control del artista. Es triste pues la jóven no puede discernir los verdaderos sentimientos del pintor y se vé abrumada. El maquiavélico Van Ruijven, que sospecha la relación entre el maestro y la criada, idea un plan para que Vermeer pinte un cuadro en el que aparezca solo Griet. El resultado: uno de los mejores cuadros que jamás se haya pintado.
REMBRANDT
Una pelìcula biogràfica sobre el famoso pintor Holandès Rembrandt Harmenszoon Van Rjin, desde su cúspide hasta su caida. Rembrandt en un afàn por condenar la existencia de una conspiración. Esperanzado con el nacimiento del tan largo tiempo anhelado hijo y heredero, el pintor está decidido a evidenciar a los asesinos conspiradores y procede a fabricar su acusación meticulosamente a través del cuadro encargado, poniendo al descubierto el costado vil e hipócrita de la sociedad holandesa en el contexto de la hegemonía que ejerció en el siglo XVII. La buena fortuna de Rembrandt experimenta un vuelco. Saskia su esposa fallece. Rembrandt formula la acusación de asesinato a través del célebre lienzo y los conspiradores planean la venganza. Se disponen a desacreditarlo tanto en el país como en el extranjero. Introducen a una ama de llaves traidora, Geertje, para que le seduzca. Tratan de cegarle. Planean su ruina social y financiera, y pretenden crear las circunstancias para su caída en la miseria, injuriar a su joven ama de casa, Hendrickje, conspirar para la destrucción de su hijo, y acabar por tener a Rembrandt arrodillado. El atrevido y valiente lienzo de ‘La ronda de noche’, excepcional en lo referente a estética y contenidos, es la obra más reconocida de Rembrandt; consolidó su reputación como maestro pintor, sin embargo también le destruyó a nivel social y financiero.
LOS FANTASMAS DE GOYA
Ofrece un acercamiento al contexto histórico, cultural y sociológico a través de la mirada de Milos Forman sobre esta época difícil que estaba atravesando España en el final del siglo XVIII y el inicio del XIX y con una incidencia en la Revolución Francesa y la invasión napoleónica, sobre la trama de la actuación de la Inquisición, todavía operativa. Muestra cómo funcionaba una institución como La Inquisición, que, aunque en sus últimos momentos, todavía controlaba o condicionaba los ámbitos privados o públicos de la sociedad española. Tras el deseo de la monarquía con la Santa Inquisición española de mantener la ortodoxia católica en lo más alto y el hecho de evitar la herejía por diferentes prácticas religiosas por parte de la sociedad, otros motivos involucraron a miles de personas e incluso, a personas que fueron castigadas en vano, si motivos justificables, como la protagonista Ines .Esta historia se convierte en un retrato bastante inteligente y llena de profundidad, algo más que un simple drama de la época, donde una vez superadas las circunstancias de cada uno de los personajes la historia vuelve a tomar sentido y a tomar una decisión crítica en contra de todos los ideales enfrentados por parte del autor.
FRIDA
Un repaso por la atormentada vida de la artista femenina de latinoamerica con mayor reconocimiento en el siglo XX. La vida de Frida Kahlo pareciera haber estado marcada por la desgracia. Desde su accidente trágico que le quitó la movilidad hasta su matrimonio disfuncional con Diego Rivera. Sienembargo, esto no la impidio para vivir la vida a su antojo, su gusto por la bebida y el tabaco ademàs de de sus inclinaciones bisexuales y sus amantes le dieron vida dentro del infierno que padecia. Su refugio en la pintura y el arte le permitieron plasmar episosdios no sòlo de de su vida también de la cultura Mexicana.
Aunque algunas vivencias se empeñen en amargar la vida de muchos seres, la libertad del espìritu se convierte en un aliciente para aliviarlas. El hecho que hayan sucesos amargos le permite a algunas personas encontrarse a sí mismas y desarrollar habilidades impensadas, como el caso de Kahlo quien se refugiò en la pintura a raiz de su accidente permitiendole dar vida a creaciones que hoy en día son muy valoradas.
Sus diversos amantes tanto hombres como mujeres le permitieron despojarse de la doble moral de la època y la convirtieron en un ìcono de mujer rebelde.
PELICULA LA OLA
Esta película es un llamado de atención acerca de como los seres humanos siguen muchas veces, sin ideales propios, colectividades sin fundamento, sólo porque existe un abanderado de un tema. Ese tipo de conductas pueden conllevar al fracaso o a la gloria. La reflexión más importante acerca del tema es hasta que punto los seres humanos pueden llegar a defender sus ideales sin afectar al otro. ¿En que momento se dejan convencer de una mayoría? y ¿De que manera reconocen si al movimiento que siguen está en lo correcto? Es importante hacer una retroinspección y verificar que tan sólidos son los principios y el carácter de cada quien, antes de seguir un movimiento. No se puede hablar de un alma colectiva, cuándo esta se encuentra compuesta de seres tan únicos y particulares, no se puede pensar un una colectividad como un sólo cerebro, pues hay un momento en el que alguno se revela y se genera un conflicto. ¿Cuantas de esas colectividades y movimientos han perdurado en la historia?TRAILER LA OLA
MECANIZACIÓN DE LA TIPOGRAFÍA
La revolución industrial fué mas que un periódico histórico, es una época de cambio social y económico. La energía fué el mecanismo para que se gestara un cambio de la sociedad agrícola a la industrial. Antes de crearse la máquina de vapor las fuentes de enrgía era la humana y la animal. Durante las tres última décadas del siglo XX la electricidad y los motores a gasolina aumentaron la productividad. Se dejaron los campos para trabajar en la industria,se ampliaron los capitales y el conocimiento científico se aplicó a los procesos.
La inversión de capital en máquinas se convirtió en la base para el cambio en la industria, el creciente consumismo de la sociedad industrializada impulsó el desarrollo tecnológico. Dentro de este nuevo fenómeno las Artes Gráficas desempeñaron un papel importante.
La mayor igualdad humana después de la Revoluciön Francesa y la americana produjo un crecimiento en la educación y en la alfabetización. La tecnológiahizo posible la reducción de los costos de los medios impresos y elevó su producción. Se dió entonces inicio a la comunicación de masas.
En el transcurso del siglo XX se fragmentó las comunicaciones gráficas en componentes de diseño y producción. La naturaleza de la comunicación visual cambió y la variedad de tamaños tipográficos y estilos de letras aumentó. La invención de la fotografía y los medios para su impresión ampliaron el significado de la documentación visual e información pictórica. La aplicación de color a las imágenes lograron la inclusión de la sociedad marginada, pues en más casas se colgaban cuadros coloridos que inicialmente eran de acceso en una clase privilegiada. Fué un periodo para el diseño de tipos egipcios, lujosos y algunos extravagantes.
Innovaciones en la tipografía
Las primeras décadas del siglo XIX atestiguaron una explosión de diseños de tipos sin precedente. Inglaterra desempeñó un papel muy importante, los fundidores en Londres lograron grandes innovaciones.
Joseph Jackson y Thomas Colterrell se convirtieron en prósperos diseñadores y fundidores de tipos. Cotterell introdujo la tendencia de letras gruesas y pesadas.
Vicent Figgins introdujo las fuentes tridimensionales. Al final de siglo Fggins había diseñado y fundido una gran variedad de letras romana y había comenzado a producir caracteres tipográficos para eruditos y extranjeros Una variación adicional fué la profundidad de las sombra que iban desde trazos delgados a lápiz hasta perspectivas profunda.
La mecanización del proceso de fabricación durante la revolución industrial hizo que la aplicación de la decoración fuera más económica y eficiente. Durante la primera mitad de siglo retratos, motivos florales y diseños decorativos fueron aplicados en muestras de tipos de letras.
La tercera innovación tipográfica a principios de siglo fue el tipo Sans-Serif cuya característica fué la ausencia de patines. Al principio se usó con timidéz pero con el tiempo se adoptó hasta en Alemania.
El cartel de caracteres de madera
El manejo de los tipos de metal se hacía complejo así que un impresor estadounidense llamado Darius Wells introdujo los caracteres de madera tallados a mano, teniendo una acogida en el diseño de carteles y pliegos sueltos por ser más económicos. En el siglo XVIII el trabajo de impresión era una actividad suplementaria de los periódicos y libros mientras que en el sigloXX el diseño gráfico de volantes y carteles era importante. Las palabras importante empezaron a enfatizarse con un mayor tamaño.
Las casa tipográficas entraron en decadencia pues los adelantos en la litografía impresa dieron lugar a carteles mejor ilustrados y con mayor colorido. El aumento de las revistas y periódicos con espacio publiciatario desplazaron a los carteles.
La revolución en la impresión
Los inventores aplicaron mecánica y parts metálicas a la prensa de mano con lo que se incrementó la eficiencia.
Lord Stanhope diseñó una prensa de impresión con partes de hierro en 1800 pero esta fué desplazada por la del alemán Friedich Koeing, quién con el patrocinio de Thomas Bensley en 1887, creó una prensa que imprimía mas hojas que la manual de Stanhope y que funcionaba a vapor.
John Walter del periódico Times de londres contrató a Koeing y en su máquina se imprimió el primer periódico en Inglaterra producido en serie. El adelanto revolucionó el medio pues las noticias se contaban con poco tiempo de haber sucedido.
En 1815 William Cowper diseñó una prensa que hacía 2400 impresiones por hora y en 1827 una que imprimía 4000 hojas por ambos lados. Por todo Europa y Estados Unidos se reemplazaron las prensas manuales por las de vapor.
La impresión a alta velocidad no sería posible sin el papel. en 1798 Nicolas Louis Robert, de Francia, desarrolló un prototipo para una máquina de fabricación de papel que luego fué paptentada por Jhon Gamble en iglaterra hacia el año 1803. La priemera máquina de produción depapel operaba en Frogmore Inglaterra.
La mecanización de la tipografia
En el siglo XIX cada tipo para cada palabra en un periódico o revista se debía acomodar a mano. Hasta que se diseñó la primera patente de una máquina de agrupación de tipos en 1825 y esta fué perfeccionada por Ottmar Mergenthaler en 1886 con su máquina de linotipo que incluía el uso de pequeños moldes de bronce con impresiones negativas de las formas de las letras, números y símbolos. La nueva tecnología desplazó el trabajo de muchos cajistas y a la vez nuevos trabajos se generaron con el incremento del material gráfico. Los precios de los periódicos decayeron y la impresión de libros se multiplicó.
Hacia 1887 Tolbert Laston creó la máquina de monotipo la cuál forma caracteres individuales a partir del metal fundido aunque sólo 10 años después se implementó su uso.
Los avances tennológicos hicieron que se mecanizara la tipografía y que se imprimiera en papel fabricado en máquinas con prensas de alta velocidad, accionadas con motores de vapor. Se propagó el conocimiento y la educación colaboró con la disminución del analfabetismo así mismo se dió inicio a la comunicación masiva.
UNA EPOCA DE GENIOS TIPOGRÁFICOS
En 1692 se desarrolló un nuevo tipo diseñado bajo principios científicos bajo la orden de Luis XVI. Al nuevo tipo de letra se le dió el nombre de Romain du Roi, con trazos guresos y finos de un alto contraste, grabados el placas de cobre por Louis Sinonnew y Philippe Grandjean, sólo usado por la realeza de la época. El primer libro que usó este tipo fue Mailles en 1702 rompiendo la tradición del estilo caligráfico.Diseño gáfico en la era Rococo El estilo de arte y arquitectura de la época de 1720 a 1770 se lama Rococó. El ornamento de la época se compone por formas de s y C con adornos góticos y dibujos de plantasderivados de la naturaleza oriental. Su mayor exponente Pierre Simón Fournier estableció una operación independiente de diseño y fundición, estandarizó los tipos y les dió una medida al mismo tiempo creó una familia de tipos.Pierre Philipp fué el especializado en viñetas de adorno e ilustración punteadas.Charles Eisen se especializó en ilustraciones de intimidad intrincada, graciosa y sensual de moda entre reyes y ricos que luego fueron reemplazadas por otras versiones populares que se impusiron en la sociedad de la revolución francesa.Fournier fué quien produjo más innovavión en la tipografía y una amplia colaboración en el diseño gráfico de la época. De otro lado William Caslon, en Inglaterra, tenía habilidades con los estiletes de plata, el corte de adornos dorados y sellosde letras para en cuadernadores. En 1720 creó su propio taller de tipos. Ben jamin Franklin, introdujo sus tipos en las colonias americanas.
====John Baskerville rompió las reglas del diseño antiguo y el moderno. Sus letras teniá una sutileza y elegancia nueva y optño por el libro tipográfico simple, dejando de un lado impresiones uniformes, también aplicó nuevas técnicas al papel con el satínado de las páginas dándole un toque elegante y así se consolidó en el negocio de la papelería.====
Louis Rene Luce creó una gran serie de orillos y de letras impresas ornamentadasen trofeos junto con otros símbolos variados y de una excelente calidad de impresión.
El Estilo Moderno
Giambattista Badoni se formó en la propaganda de Fide, la prensa que imprimia propaganda de material misionero en Roma. Luego se haría cargo de la prensa oficial del duque de Parma. Bodoni tomó el liderato en la revolución de las letras desplazando el estilo Rococo fuera de moda, creó tipos con apariencia más alta y geométrica.
La estandarización en la medida y construcción de las formas marcó la muerte de la escritura con fuente de diseños de tipos y el final del tallado y trazado impreciso de los tipos primitivos. La nitidéz de los diseños gráficos de Bodoni tiene afinidad con la tipografía del siglo XX.
En los años decadentes del siglo XVIII se imprimieron las poesias de Robert Blake sin quedarse atrás Inglaterra con los impresos de Chakeaspeare. Este siglo termina con las revoluciones políticas de Francia y las colonias américanas. los cambios fueron evidentes en una sociedad agraria y rural a una sociedad industrial. Hasta las comunicaciones sufrieron profundos cambios.
DISEÑO GRÀFICO EN EL RENACIMIENTO
Durante los siglos XIV y XV se dió la transición del mundo medieval al moderno. El renacimiento de la literaturaclásica y el trabajo humanísitco italiano va ligado al enfoque innovador del diseño del libro. El diseño total de un libro nació de los impresores italianos en Venecia a finales del siglo XIV. Vindelinus publicó el primer libro con los números de las páginas impresas. Jenson es el diseñador tipográfico francés reconocido por su grabados. El científico y matemático Muller imprimió un calendario lunar y solar que contnía los eclipses de la época en la medida que los científicos comprendeslos fenómenos naturales los impresores difunden este conocimiento y las supersticiones empiezan a disminuir.Bernard Mulle introdujo a los impresos diseños decorativos de figuras naturalistas, flores y enredaderas predominaban en el diseño. La decoració gráfica tuvo sus inicios cuando ya finalizaba el siglo. El humanismo en el renacimiento fué tema para la impresión, en la obra El sueño de Poliphili en Venecia goza la armonía del diseños gráfico, tipografía e ilustración. Las letras de tipo griffo y los trazos grandes y la ornamentación floral son el común. En 1501 se creó el primer libro de bolsillo a manos de Manutius la letra itálica y la letra romana toman fuerza durante este periodo.El libro tipográfico se desarrolló como libro manuscrito, impresos en tipos de las nuevas creaciones de diseño y permitió el formato básico tipografico que actualmente se conoce.En Francia se produjeron libros bellos, legibles de bonita tipografía y con una elegante ornamentación. Geoffroy Tory desarrolló el estilo único del ranacimiento francés del sieño del libro y la ilustración. La producción de libros que describian reglas de litografía era el común además de las reglas ortográficas y fijos de pronunciación de la lengua francesa, también sedifundieron diferentes alfabetoscomo el latin, el griego, el hebreo y caldeo entre otros.Claude Garamaund trabajó independiente de los impresores destacados, por la calidad de sus fundiciones y la eliminación del estilo gótico de las cajas en toda Europa, se disminuyó la influencia la influencia de la escritura como modelo y se reemplazó por el modelo tipográfico sus diseñadores y predecesores se dedicaron a retirar y alterar sus formas.Las guerras santas generadas en la època permitiño que muchos impresores llegaran a los paises bajos desde Francia.Cristopher Plantin fué catalogado como el mejor impresor ya que por sus litografias pasaron textos de distintas gamas y temas y logró montar la editorial más grande y fuerte del mundo. Su mayor contribución el uso de grabados en lámina de cobre en lugar de los de madera para ilustrar sus libros reemplazando así por una mejor técnica para imágenes gráficas en Europa.Durante el siglo XVII no hubo grandes cambios a nivel tipográfico. Lodestacable es la impresión de bellas obras literarias como las de Chakeaspeare y Miguel de Cervantes Saavedra.Entre 1539 y 1640 se editó el primer libro diseñado e impreso en las colonia inglesa de América.
EL LIBRO ALEMÀN ILUSTRADO
"Incunabula" es el nombre que le dieron los escritores del siglo XVIII a la època històrica en la que se imprimió millones de libros. La imprenta se expandió rápidamente en Europa lo que generó un malestar en los copistas, que pedìan una indemnización a los dueños de las tipografias. Según Alfred Whitehead "El mayor avance técnico es un proceso que arruina la sociedad en la que se dá" . La tipografía es el invento más importante en las comunicaciones mucho mas que la escritura y las comunicaciones masivas del siglo XX, es la cuna donde se gestan la revolución de la economía, la sociedad y la religión a partir de los siglos XV y XVI. El modernismo impulsó la revolución de Norte Americana y la francesa en el siglo XVII.
La imprenta fué el medio para la propagación de ideas y también colaboró con la disminución del analfabetismo. El invento de Gutembert es la primera mecanización de una habilidad manual que màs adelante dará lugar a la Revolución industrial. Es la época del renacimiento y el auge de la literatura.
Martin Lutero expuso sus tesis con la ayuda de la imprenta, lo que generó una división en la religión.
El primer libro ilustrado fue diseñado en Alemania por Fust Schoefferer con una máxima expresión de diseño gráfico. Esta portada se hacía con figuras de madera. Otros sucedieron a Fust como Der Ackerman Aits Bohmen en 1460 dando así origen al primer libro tipográfico. Para le época se imprimió libros con ilustraciones de diferentes temas desde religión hasta medicina. Esta vez los artesanos se encargaban de tallar las figuras de madera que serían impresas en los libros. La creatividad de los ilustradores les permitió plasmar cosas nunca antes vistas entre las más significativas y famosas El Apocalipsis por Alberto Durero.
La imprenta se expandió en los diferentes paises de Europa. Llegó a Francia en 1470 con un libro destacado: La Cite de Dieu, también por este mismo año en Inglaterra siendo su mayor exponente William Caxton y en España en 1473. A los paises americanos llegó en 1942 con el descubrimiento del nuevo mundo sinembargo, solo hasta 1539 se estableció la primera imprenta en México.
LA WWWW Y EL INTERNET
El inicio de la Internet se da en los años 60. En plena guerra fría, Estados Unidos crea una red exclusivamente militar, con el objetivo de que, en el hipotético caso de un ataque ruso, se pudiera tener acceso a la información militar desde cualquier punto del país. Esta red se creó en 1969 y se llamó ARPANET. Dos investigadores crearon el Protocolo TCP/IP, que se convirtió en el estándar de comunicaciones dentro de las redes informáticas (actualmente seguimos utilizando dicho protocolo).ARPANET siguió creciendo y abriéndose al mundo, y cualquier persona con fines académicos o de investigación podía tener acceso a la red. Las funciones militares se desligaron de ARPANET y fueron a parar a MILNET, una nueva red creada por los Estados Unidos.
La NSF (National Science Fundation) crea su propia red informática llamada NSFNET, que más tarde absorbe a ARPANET, creando así una gran red con propósitos científicos y académicos. El desarrollo de las redes fue abismal, y se crean nuevas redes de libre acceso que más tarde se unen a NSFNET, formando de lo que hoy conocemos como INTERNET.
En 1985 la Internet ya era una tecnología establecida, aunque conocida por unos pocos. El autor William Gibson hizo una revelación: el término "ciberespacio". En ese tiempo la red era basicamente textual, así que el autor se baso en los videojuegos. Con el tiempo la palabra "ciberespacio" terminó por ser sinonimo de Internet.
En el Centro Europeo de Investigaciones Nucleares (CERN), Tim Berners Lee dirigía la búsqueda de un sistema de almacenamiento y recuperación de datos. Berners Lee retomó la idea de Ted Nelson (un proyecto llamado "Xanadú" ) de usar hipervínculos. Robert Caillau quien cooperó con el proyecto, cuanta que en 1990 deciden ponerle un nombre al sistema y lo llamarón World Wide Web (WWW) o telaraña mundial.
La nueva formula permitía vincular información en forma lógica y a través de las redes. El contenido se programaba en un lenguaje de hipertexto con "etíquetas" que asignaban una función a cada parte del contenido. Luego, un programa de computación, un intérprete, eran capaz de leer esas etiquetas para desplegar la información. Ese intérprete sería conocido como "navegador" o "browser".
En 1993 Marc Andreesen produjo la primera versión del navegador "Mosaic", que permitió acceder con mayor naturalidad a la WWW. Poco después Andreesen encabezó la creación del programa Netscape.Apartir de entonces Internet comenzó a crecer más rápido que otro medio de comunicación, convirtiéndose en lo que hoy todos conocemos.
Algunos de los servicios disponibles en Internet aparte de la WEB son el acceso remoto a otras máquinas por ejemplo los archivos de descargue de la red.
HISTORIA DEL COMPUTADORSe considera que la primera computadora fue el Abaco, utilizado en el oriente durante más de 3.000 años. De éste aparecieron varias versiones, tales como el Abaco Chino y el Sorobán Japonés. En 1.600 John Napier utilizó los logaritmos como fundamento para un dispositivo multiplicador de números, conduciendo a la invención de la regla de cálculo. En 1.642 el francés Blaise Pascal construyó una máquina sumadora con un engranaje parecido al odómetro moderno, operada con discos unidos en engranajes que tenían los números del cero (0) al nueve (9) en circunferencia, de tal forma que cuando un disco daba una vuelta, automáticamente el disco de la izquierda avanzaba un dígito. Los indicadores de los discos mostraban las respuestas correctas, pero ésta sólo servía para sumar. En 1.694 Gottfried Withelm Leibnitz creó una máquina que multiplicaba y dividía con un dispositivo de rueda escalonada. En 1.801 Joseph Marie Jacquard diseñó tarjetas perforadas para controlar una máquina de hilado textil, en donde cada línea de tejido se presentaba en una tarjeta perforada como patrón, tejiendo automáticamente. En 1.820 Charles Babbage construyó el primer dispositivo que utilizaba los principios de la electrónica moderna. Inventó una máquina que evaluaba polinomios llamada Máquina de diferencias, esta era capaz de producir tablas logarítmicas de 6 cifras decimales de precisión. También imaginó una máquina mecánica con una unidad de almacenamiento y aritmética, pero el bajo nivel de la tecnología metálica moderna impidió que se llegara a este resultado. En 1.886, durante la tabulación del senso de la población de 1.880 en los Estados Unidos, se utilizó un mecanismo desarrollado por Herman Hollerith basado en tarjetas perforadas. El primer progreso real hacia las computadoras digitales electrónicas, ocurrió a finales de la década de 1.930 cuando Howard Aiken de la Universidad de Harvard y George Slibitz de Bell Telephone Laboratories desarrollaron una calculadora automática utilizando redes de relevadores (interruptor controlado en forma electromagnética). Durante la Segunda Guerra Mundial se desarrollaron otras máquinas con relevadores para cálculos de balística y artillería. A principios de la década de 1.940 John Mauchly y J. Presper Eckert de la Universidad de Pensilvania diseñaron y construyeron una computadora con bulbos, que llamaron Integrador y Calculador Numérico Electrónico (ENIAC); fue terminada en 1.945 y se instaló en un campo de pruebas en Aberdeen Maryland. Utilizaba 18.000 bulbos y requería una gran cantidad de energía, su probabilidad de fallas era alta y programarla resultaba difícil, ya que se necesitaba un tablero de conexiones manuales. Para resolver las dificultades de programación del ENIAC, John Von Newmann propuso que el programa residiera en la memoria de la computadora, donde se pudiera modificar a voluntad. Durante esta misma época técnicos de la IBM y de la Universidad de Harvard desarrollaron el MARK 1, pesaba 5 toneladas y constaba de un complejo de 78 máquinas sumadoras y calculadoras conectadas con 800 Kms de cables, las instrucciones se les daban en cintas de papel, una vez que la máquina ejecutaba la primera instrucción no requería de la intervención humana. También para esta época se inventó una máquina denominada EDVAC, capaz de desarrollar operaciones aritméticas con números binarios y de almacenar instrucciones, su control se realizaba mediante un alambrado de cables removibles y cintas de papel. Aún cuando las primeras computadoras se desarrollaron con propósitos militares, no tardó mucho tiempo en que se emplearan en tareas comerciales e industriales. En 1.947 John Bardeen, Walter H. Brattain y William Shockley inventaron el transistor, lo que redujo en forma drástica las necesidades de espacio y energía al reemplazar al bulbo dando origen al computador comercial. Luego J.W Forrester y su grupo en el Instituto Tecnológico de Massachusetts desarrollaron la memoria de núcleo magnético, que permitió aumentar la capacidad de almacenamiento considerablemente. En 1.951 se produjo la primera máquina computadora comercial llamada UNIVAC (University Automatic Computer), se instaló en el departamento de sensos de los Estados Unidos. El uso comercial de la UNIVAC comenzó en 1.954 y a partir de este momento la industria del procesamiento de datos comenzó a crecer en forma acelerada.
===LOUIS BRAILLE Y LA ESCRITURA PARA CIEGOS
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Apesar de haberse quedado a tan corta edad ciego, Louis Braille fuè un destacado estudiante que no se conformò con su condiciòn y se esmerò por aprender aùn sin poder ver. Fuè enviado a una escuela especial para invidentes y allì reformò un sistema, ya inventado por unos de su profesores, y lo mejorò hasta el punto de obtener el reconocimiento del alafabeto especial para ciegos luego de que muriera a quejado por una tuberculosis. De no ser por su aporte hoy en dia las personan con estas condiciones estarìa màs aisladas y relegadas de ejercer alguna profesiòn u oficio. Sus aprte ha sido tan importante hasta el punto de ser adapatado a diferentes idiomas en el mundo y ha servido de guía para aquellos que con las nuevas tecnològias buscan mejorar la calidad de vida de la personas invidentes
LEONARDO DAVINCI Y LA MEDICINALeonardo DaVinci además de ser conocido como el padre del renacimiento, no es solamente considerado un genio, también uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Su capacidad de observación y curiosidad lo llevaron a doumentar todo aquello por lo que sentía interés, dentro de sus mayores aportes a la medicina actual están los dibujos acerca de osteología y miólogia siendo una prueba de su interés por el funcionamiento del cuerpo humano. Plasmaba con tal exactitud cada forma de músculos, tendones y huesos que estos dibujos son considerados unos de los más bellos de las ciencias de la antomía y que aún son usados en las escuelas de medicina actual. Fué el primero en observar que al introducir un objeto dentro de un recipiente de cristal lleno de agua se modifica su tamaño. Teoría que con el tiempo se perfeccionó y dió origen a los lentes de contacto. Sus estudios sobre la anatomía y el cuerpo humano fueron realizados bajo la mirada renuente de la iglesia que consideraba estas prácticas como sacrílegas. No obstante continuó sus analisis del cuerpo humano refugiado en un Hospital realizando disecciónes a los cuerpos sin vida, también hizo observaciones con cuerpos de diferentes animales para hacer un comparativo con el humano. Adicionalmente sus estudios también se encaminaron a los diferentes estados de ánimo y a la deformación de ll rostro con los gestos y la vejéz
GUTEMBERG Y LA IMPRENTA== ==
En una època en la que los copistas eran los encargados de plasmar en sus manuscritos tanto religiosos còmo de ciencias y màs adelante mediante la creaciòn de la Xilografìa, tècnica que consistia en trabajabar el texto en hueco sobre una tablilla de madera incluyendo los dibujos, Johannes Gutemberg le apostò a mejorar el tiempo que tomaba la "impresiòn" de algunos de estos textos, siendo su mayor ambiciòn transcribir varias copias de la Biblia. Aunque quebrò con su idea si dejò un gran a porte para el futuro de las artes gràficas e impresas. Por fortuna hoy en dia contamos con la imprenta que le sirviò al hombre para la transmisiòn de conocimiento y culturizaciòn de los pueblos. La revolución cultural que se ha experimentado gracias al invento de Gutemberg es magnífica pues el saber escrito dejó de ser patrimonio de una élite y se extendió a amplias capas de la población. La escritura fue sustituyendo a la tradición oral como forma privilegiada para transmitir conocimientos, a la par que las publicaciones impresas, como libros o periódicos, se generalizaron. A principios del siglo XX la escritura impresa ya era el medio predominante en Occidente para la difusión del saber. Además de su enorme significado para la religión, la política y las artes en general, fue este un avance tecnológico que facilitó todos los demás que le siguieron cómo el invento del computador y la internet que han ido desplazando los textos escritos por textos digitales.
EJERCICIO DE CREATIVIDAD
En un rincòn de la ciudad una joven lloraba a causa de un desamor, pues habìa sido engañada por el hombre que màs habìa amado en su vida.Tristemente aquel hombre tenìa una vida llena de problemas y habia arratrado a ella tambièn. El le habìa sido infiel y ella sentìa un profunda tristeza que la llevaba a tener los peores pensamientos incluso, acabar con su vida lanzàndose del sèptimo piso de dònde vivìa. Al poco tiempo su amado decidiò buscarla y pedirle que se casaran. Con el dolor que sentìa y el amor que aùn le profesaba ella lo rechazò, argumentando que asì no se iba a rezarcir todo el daño que le habìa cusado. El muy apesadumbrado por su negativa se retira y sigue insistiendo por unos dìas màs.Ella, luego de pensarlo por algunos dias se da cuenta que a pesar de todo el daño lo sigue amando asì que regresa con el y le concede el perdòn. Finalmente se casan y hasta el dia de hoy son felices.
Esta historia se aplica no sòlo para una historia de amor, sino tambièn para diferentes aspectos de la vida si perdonamos los agravios que recibimos de terceros en el mundo habrìa mas tolerancia y vivirìamos mejor.
Siempre he tenido gran fascinación por los zapatos, podría sonar materialista, pero los amo, así que decidí averiguar un poco más de sus historia y sobre todo en el renacimineto. Según la historia, el calzado en el reancimiento, hacia el siglo XV tenía diferentes materiales pero tenían una carencia en común: no tenían taco ni zuela sienmbargo, los stándares de calidad eran altos y los artesanos ern quienes tenián encomendado dicha labor, tanto hombres como mujeres los usaban. Dentro de los materiales más comunes estaban el cuero, la tela, la lana y tela de tapicería,aunque la mayoría de estos materiales no eran impermeables.
Si bien no era fácil ver los zapatos debajo de los vestidos largos del período, sabemos que el calzado de las mujeres consistía en babuchas de tela delicada -brocado, seda bordada o cuero- pero, justamente esa fragilidad hizo que hubiera que resguardarlos del barro, por lo que comenzó a usarse un protector, es decir una base de madera con capellada sobre la cual se montaba el zapato.
Así nació el chopin en Venecia para extenderse rápidamente por el resto de Europa. pero resultaba incómo caminar con ellos ya que algunos tendrían hasta 80 cm y se hacia necesaria la ayuda de criados para caminar. La iglesia lo aprbó pensando que por la incomodiad la gente saldría menos a bailar y menos vida mundana, de esa forma se ahorrarian, verios problemas pero no fué asi.
En esa misma época, las damas europeas usaban pantuflas de cuero o tela bordada, y, desde la boda de Catalina de Médicis, se pondrían de moda en Francia los zapatos con taco. Se dice que ella los introdujo dada su baja estatura.Durante este período, las botas y los borceguíes cortos fueron desechados y se usaron únicamente para montar o por los soldados. Estas botas a la altura de la rodilla eran amplias para facilitar la flexión de la rodilla.Los tacos tuvieron la finalidad de evitar que los pies del jinete se deslizaran de los estribos. Aunque los tacos aparecieron en las botas desde el año 1500, sólo se incorporaron a los zapatos en el siglo XVI.En Francia, en el siglo XVI introducir el pie en el zapato de moda no era una acción que se pudiera llevar a cabo con naturalidad, eran tan estrechos que antes de intentarlo había que colocar los pies en agua helada al menos durante una hora.====Renacimiento temprano 1520 – 1560 - Manierismo====
El calzado de este período era predominantemente de cuero y armonizó con la anchura de los trajes. La puntera roma de los zapatos del período anterior continuó ensanchándose. Los hombres y mujeres lucían calzado similar, aunque la anchura de la puntera mayor en los zapatos de los hombres.
El zapato de trabajo de los campesinos en Francia y los Países Bajos, era un zueco tosco, formado de un bloque sólido de madera. Hubo una versión tallada y pintada de este zapato para ocasiones especiales.
Campesinos de otras regiones usaban los chanclos o galochas, cuya base también era de madera con capellada de cuero y la finalidad proteger del fango, el agua y la nieve.
Para las mujeres, el calzado era de colores delicados, elegantemente realizado en terciopelo, seda y otras telas, aunque con el tiempo se fue utilizando más el cuero.
1560 - 1620
Durante este período, la moda fue influenciada por España. Las telas fueron endurecidas y adornadas con bordado o joyería metálica.
Preferían las sedas y el terciopelo oscuro y las alhajas. Muchos de los zapatos que usaron los hombres a partir de este período todavía existen y se pueden ver en museos alrededor del mundo.
Durante el reinado de Elizabeth, aparecen los tacones, los zapatos se hacen finalmente más angostos, el pie está más cubierto por la capellada y sobre ella suele descansar un rosetón.
Este período se caracteriza por el uso de cordones, o lazos anudando las lengüetas laterales sobre el centro de la capellada.
El zapato liso, cerrado, con capellada no muy alta, fue el usado principalmente por los lacayos y se menciona por primera vez en la época de Elizabeth I.
Los hombres calzaban zapatos angostos, con tacones y prominentes rosetones. Aún seguían usándose los chopines para transitar en calles sucias.
Los zapatos de las mujeres fueron vistos raramente en este período, pues se perdían cubiertos por las faldas largas. Tenían un tacón relativamente suave, generalmente de no más de dos pulgadas de alto. Las suelas eran de corcho. La puntera era levemente redondeada. Los zapatos de las damas tenían lengüetas altas y Elizabeth usaba las lengüetas de la seda blanca para combinar con su ropa del mismo color.
Ha trascendido que la reina estaba muy orgullosa de sus minúsculos pies e hizo acortar sus faldas apenas sobre el tobillo para exhibirlos.
La seda y los brocados bordados fueron los materiales preferidos, el bordado podía estar realizado en hilos de brillantes colores o de oro. Los zapatos de este período fueron hechos predominantemente de cuero fino y suave o áspero, dependiendo del precio.
El corcho era un material popular para la suela. El taco de esta época se hacía con una cuña de corcho colocada sobre la suela de cuero a la altura del talón, para elevarlo. Pronto se desarrolló en un tacón verdadero, aunque el zapato conservó la suela pie completa hasta atrás.
Los tacones nuevos fueron hechos de corcho o madera, pero se podían forrar con la misma tela del zapato. Más adelante, los tacones de los zapatos de hombres fueron hechos de cuero. El frente del zapato ganó altura hasta que se convirtió en una lengüeta, ésta fue coloreada a menudo para combinar con las ropas.
El bordado tenía un lugar importante en la moda inglesa. Después de la Reforma, los artesanos que habían creado el bordado eclesiástico utilizaron sus talentos en ropa y zapatos.
Todos los colores posibles fueron usados para realizar los tacones nuevos: azafrán, negro,blanco, rojo, verde, azul, amarillo y rosa se pueden ver en pinturas de la época o museos.
¿QUE ES ARTE?
Arte, no es aquello que sólo proyecta cosas bellas, o ¿Quién tiene la verdad sobre lo que es políticamente bello?. La belleza es subjetiva y el arte tine un significado más asociado a los sentimientos y al conocimiento de una actividad en particular. El valor de arte lo dará cada quién , deacuerdo a las competencias adquiridas en el trascurso de su vida. Entonces, el artista seria aquel que tiene la capacidad y el conocimiento para desarrollar una labor determinada, toda persona que puede reflejar en su obra la particularidad de una emoción. Y las emociones que se despiertan en un ser humano, no son solamente aquellas asociadas a una inclinación benébola también, provienen de la parte más oscura del alma. Quien tenga la capacidad de despertar, en el resto de sus congéneres, sensibilidad es un artista. Cada persona que cultive y desarrolle una disciplina, que de cabida a transformar con su obra el pensamiento humano, es un virtuoso en potencia. El arte es un vehículo para la tranformación del comportamiento humano.
COMO MIRAR UN CUADRO
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PIERRE AUGUSTE RENOIR: “Bal au moulin de la Galette“, 1876 PIERRE AUGUSTE RENOIR: “Bal au moulin de la Galette“, 1876
PIERRE AUGUSTE RENOIR: “Bal au moulin de la Galette“, 1876
"Baile en el molino de la Gallette", es una obra de la corriente impresionista en la que el artista plasma una escena con gran realismo de la época en la que se desarrolla,aparentemente burgueses de la antigua Francia, podemos apreciar un grupo de personas que se encuentran departiendo en una concurrida plaza, al fondo varias parejas que parecen difrutar de un baile, e incluso involucra una niña que haría pensar que hace parte de una familia que disfruta del evento, el artista es fiel al realismo de los personajes que componen la obra y usa colores frios con pinceladas precisas que exaltan la belleza con sumo cuidado en la creación de cada figura, también se aprecia la naturaleza muerta que le da armonía a unos de los cuadros clásicos del siglo XIX.
PABLO PICASSO: “Dora Maar au chat”, 1941 PABLO PICASSO: “Dora Maar au chat”, 1941 PABLO PICASSO: “Dora Maar au chat”, 1941
PABLO PICASSO: “Dora Maar au chat”, 1941
La unión de varios trazos, en su mayoria rectos van dando forma a lo que es el vestido del personaje con algunas figuras geométricas que le dan una apariencia tridimensional. Por las caracteristicas de los trazos es dificil apreciar una figura que se acerque a la realidad, es amorfa,con rasgos asimétricos pero se puede deducir que es una figura femenina. En el fondo se distingue un rectángulo y algunos triángulos que dan el aspecto de estar dentro de una caja o un cuarto pequeño. Que obedece a la crriente en donde mejor se puede ubicar al artista: el cubismo. Quizá para Picasso la belleza no la plasmó con trazos delicados y curvilineos, sino con estos más definidos y cuadriculados, tal vez para él en esta pieza no era tan importante la simetría y deseaba romper las reglas de la estética que regía desarrollar el arte de la pintura. Dueño de un estilo diferente, que dista de el realismo de la obra anteriormente analizada.
PIETRO CAVALLINI: "La crucifixión"
En esta pintura de Cavallini, se puede apreciar la escena de la crucifixión. En el centro Jesús crucificado, que es la imagen que llama la atención en primera instancia, luego a los lados, a la altura de los brazos del cristo, dos edificaciones en una ubicación lineal, que pueden representar la Iglesia. Debajo de los brazos del crucifijo se encuentran: a la izquierda la Virgen María y un apóstol a la derecha, detrás de la virgen un santo que sostiene las sagradas escrituras y detrás del apóstol otro personaje que tiene en su mano una rama. Posee un fondo oscuro, que resalta las figuras céntricas: Jesús, Maria y el apóstol que estan pintados con tonos cálidos y sobresalen del resto de elmentos en tonos neutros. Cada figura guarda la proporción dentro del cuadro y su proxémica es equidistante, viéndolo del centro a la izquierda y del centro a la derecha.
JOSE MANUEL MERELLO: "El pequeño guardián de la corista"
JOSE MANUEL MERELLO: "El pequeño guardián de la corista"
JOSE MANUEL MERELLO: "El pequeño guardián de la corista"
En esta obra de Juan Manuel Merello se aprecia un juego cromático, se pueden distinguir una amplia gama de tonos cálidos que hacen juego con la pequeña inclusión de tonos frios. Sobresale el amarillo, naranja y diferentes tonalidades del rojo, colores que impactan por su energia emocional. En cuanto a la figura como tal, el desnudo es una representación de la intimidad y la guitarra la representación del arte, de lo cuál podriamos deducir que el artista desea reflejar el momento emotivo e íntimo que le produce su encuentro con el arte, es una expresión íntima y alegre de él, que representa su inspiración artística.
JULIETH MOYA VELASQUEZ
ARTE Y ESTETICA 3 CORTE.doc
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BODY ARThttp://www.artemza.com.ar/index.php?option=com_content&view=article&catid=49%3Ateatro&id=72%3A-el-body-art-o-arte-corporal-un-poco-de-historiaq-segunda-parte&Itemid=30
http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art
El Body Art o Arte Corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en Europa en los años 1960 y, en especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, al que se lo pinta, calca, ensucia, tatúa, cubre. El cuerpo se transforma en el lienzo o en el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
Dentro de la categoría general de Body Art, podemos definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.
Probablemente el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenecía a su grupo y situarse en relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convertía en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sencillamente servían de ornamento. La pintura corporal reaparece en Occidente a fines del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un diseño sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria, el World Bodypainting Festival en Bruselas, y en Bélgica el Festival Internacional de la película fantástica, The International Body Painting Contest.
Práctica moderna de la pintura corporal: La pintura corporal hoy, conocida como Body Art, es practicada en las sociedades occidentales con otros objetivos sobre todo lúdicos, artísticos y decorativos. Su carácter espectacular convierte a esta actividad en algo sumamente valorado debido a la técnica en conjunto con la creatividad de los artistas que la desarrollan. La temática de la pintura corporal es sumamente variada. Dentro de los temas preferidos podemos mencionar los animales: felinos en la mayoría de los casos. También serpientes y arañas se integran a figuras decorativas muchas veces abstractas. Otro de los temas preferido por los artistas es el fantástico: criaturas multicolores, proporcionadas de alas, antenas, garras recorren los festivales alrededor del mundo. Se encuentran también el camuflaje: el cuerpo se integra a su medio ambiente, árboles, papel o paredes decrépitas. En muchos países la pintura corporal se utiliza durante los festejos del carnaval. Performance: antecedentes Si bien fue en los 60´s y 70´s el auge de este tipo de expresiones fuertemente corporales, presenciales, experimentales, activistas, hubo un largo recorrido anterior, un fluir, entre el ritual y el entretenimiento, entre la eficacia y el espectáculo, desde el nacimiento de la cultura. Pero entre los historiadores del arte, hay cierto acuerdo en reconocer el nacimiento de la performance art de mano de los Futuristas italianos durante los convulsionados primeros años del siglo XX. También Tristan Tzara y los artistas del Cabaret Voltaire realizaron acciones similares. A fines de los años 30, Antonin Artaud tuvo una influencia decisiva en los artistas de entreguerras, con El teatro y su doble, fundando un teatro de la vida, de la autenticidad, del gesto y de la improvisación.
En los 60, con los grupos que crearon el Accionismo vienés, la Situacionista Internacional, Fluxus y los Happenings, este tipo de arte se terminó de afianzar. Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler realizaron, entre los 60 y los 70, performances extremas, en las que sus cuerpos eran sometidos a un grado de violencia muy grande. Frecuentemente eran llevados a prisión por períodos breves, acusados de violar las leyes de decencia, y sus trabajos eran caratulados como "fuera de la moral". Yves Klein, Vito Acconci, Marina Abramovic, Valie Export, John Cage, Hermann Nitsch, Chris Burden, Carolee Schneemann, Yoko Ono, Joseph Beuys, Wolf Vostell y Allan Kaprow fueron otros artistas que fundaron la performance en los 60. En 1970 el dúo británico Gilbert and George creó la primera "escultura viviente", constituida por una performance durante la cual se pintaban de oro y sangre.
Pero quizá sea la obra de los accionistas vieneses, autoagresivas y extremas, la que más llama la atención, aunque todos los perfomers de esas décadas buscaban al ser humano "auténtico", no "castrado" por al funcionalismo de la sociedad; al hombre que vive por fuera de las leyes de la conveniencia o del provecho.
En Latinoamérica, la performance estuvo ligada no sólo a la importación de tendencias vanguardistas desde Europa y Estados Unidos, sino a los rituales de origen indígena propios de los pueblos originarios de las distintas regiones y también a su circulación interna. Pueden distinguirse, entonces, diferencias estéticas y conceptuales entre las acciones de estas regiones, en comparación de las antes nombradas, pero sin duda la razón principal es que los artistas que experimentan con este tipo de género tienden a producir obras autorreferenciales, que mucho tienen que ver con sus contextos, con sus entornos socioculturales. Si bien es lícito afirmar que la acción representada por las estatuas vivientes es la confluencia entre performance y body art, éstas cambian completamente su sentido inicial. Ya no son la alternativa a un medio en decadencia ni la negación de la tradición del Arte, sino un medio más a disposición del artista, del cual puede hacer uso a voluntad, sin rechazar la posibilidad de alternarlo con los medios tradicionales.
VIDEO MAPPING EN LOURDES
El pasado 30 de Septiembre en Lourdes se realizó un espectáculo de videomapping sobre la iglesia. Las producciones artísticas fueron creadas por estudiantes de la Universidad de los Andes, en las que se pudo disfrutar de la mezcla de imàgenes tridimensionales y sonidos estridentes que le iban dando vida a las proyecciones. Aunque hubo lluvia, esto no empañò el espectáculo que cientos de personas disfrutaron. Los temas alusivos a la naturaleza fueron el centro de admiración con un realismo bien logrado, ademàs de las simulaciones de movimientos de fichas y cajones que encuadraban diferentes figuras arquitectónicas y las partes que daban forma a cada uno de los recobecos de la arquitectura de la iglesia. Los alcances de las nuevas tecnologías son el fundamento de estos artistas quienes se valen de ello para buscar nuevas formas de concebir el arte.
PELICULASEn las peliculas descritas a continuaciòn se puede encontrar un acercamiento a la vida de artisas representativos de diferentes disciplinas.De una u otra forma el formato del cine adopta la vida de los personajes y la pone al alcance y conocimiento de los espectadores para que cada quién sustraiga los hechos más significativos y le dé su propia apreciación. Aquí se encuentran descritas las mias.
LA JOVEN DE LA PERLA
El filme esboza la historia de la que pudo se una de las muzas del pintor holandes Johannes Vermmer. La joven Griet es una criada que ha sido contratada por Johannes Vermmer, trabaja para mantener a su familia con sòlo diecisiete años, poco a poco va llamando la atención del pintor quièn la va introduciendo en el mundo de la pintura tras descubrir la habilidades de Griet. A pesar de sus diferencias se van involucrando. Su suegra, María Thins, quien es una mujer manipuladora que constantemente busca mantener su la familia unida y sin necesidades, consiente la relación de su yerno y la criada con tal de mantenerse. Sumergida en una caótica familia de católicos encabezada por la volátil esposa de Vermeer Catharina, y rodeada de niños, Griet está cada vez mas expuesta a grandes riesgos. Cornelia, una niña de doce años que ve mas de lo que debería, pronto se pone celosa y sospecha de Griet. Esto le puede traer problemas. Sola y sin protección alguna, Griet también llama la atención de Pieter, un chico carnicero del pueblo, y del patrón de Vermeer, el rico Van Ruijven, que se siente frustrado porque su dinero no consigue comprar el control del artista. Es triste pues la jóven no puede discernir los verdaderos sentimientos del pintor y se vé abrumada. El maquiavélico Van Ruijven, que sospecha la relación entre el maestro y la criada, idea un plan para que Vermeer pinte un cuadro en el que aparezca solo Griet. El resultado: uno de los mejores cuadros que jamás se haya pintado.
REMBRANDTUna pelìcula biogràfica sobre el famoso pintor Holandès Rembrandt Harmenszoon Van Rjin, desde su cúspide hasta su caida. Rembrandt en un afàn por condenar la existencia de una conspiración. Esperanzado con el nacimiento del tan largo tiempo anhelado hijo y heredero, el pintor está decidido a evidenciar a los asesinos conspiradores y procede a fabricar su acusación meticulosamente a través del cuadro encargado, poniendo al descubierto el costado vil e hipócrita de la sociedad holandesa en el contexto de la hegemonía que ejerció en el siglo XVII. La buena fortuna de Rembrandt experimenta un vuelco. Saskia su esposa fallece. Rembrandt formula la acusación de asesinato a través del célebre lienzo y los conspiradores planean la venganza. Se disponen a desacreditarlo tanto en el país como en el extranjero. Introducen a una ama de llaves traidora, Geertje, para que le seduzca. Tratan de cegarle. Planean su ruina social y financiera, y pretenden crear las circunstancias para su caída en la miseria, injuriar a su joven ama de casa, Hendrickje, conspirar para la destrucción de su hijo, y acabar por tener a Rembrandt arrodillado. El atrevido y valiente lienzo de ‘La ronda de noche’, excepcional en lo referente a estética y contenidos, es la obra más reconocida de Rembrandt; consolidó su reputación como maestro pintor, sin embargo también le destruyó a nivel social y financiero.
LOS FANTASMAS DE GOYA
Ofrece un acercamiento al contexto histórico, cultural y sociológico a través de la mirada de Milos Forman sobre esta época difícil que estaba atravesando España en el final del siglo XVIII y el inicio del XIX y con una incidencia en la Revolución Francesa y la invasión napoleónica, sobre la trama de la actuación de la Inquisición, todavía operativa. Muestra cómo funcionaba una institución como La Inquisición, que, aunque en sus últimos momentos, todavía controlaba o condicionaba los ámbitos privados o públicos de la sociedad española. Tras el deseo de la monarquía con la Santa Inquisición española de mantener la ortodoxia católica en lo más alto y el hecho de evitar la herejía por diferentes prácticas religiosas por parte de la sociedad, otros motivos involucraron a miles de personas e incluso, a personas que fueron castigadas en vano, si motivos justificables, como la protagonista Ines .Esta historia se convierte en un retrato bastante inteligente y llena de profundidad, algo más que un simple drama de la época, donde una vez superadas las circunstancias de cada uno de los personajes la historia vuelve a tomar sentido y a tomar una decisión crítica en contra de todos los ideales enfrentados por parte del autor.FRIDA
Un repaso por la atormentada vida de la artista femenina de latinoamerica con mayor reconocimiento en el siglo XX. La vida de Frida Kahlo pareciera haber estado marcada por la desgracia. Desde su accidente trágico que le quitó la movilidad hasta su matrimonio disfuncional con Diego Rivera. Sienembargo, esto no la impidio para vivir la vida a su antojo, su gusto por la bebida y el tabaco ademàs de de sus inclinaciones bisexuales y sus amantes le dieron vida dentro del infierno que padecia. Su refugio en la pintura y el arte le permitieron plasmar episosdios no sòlo de de su vida también de la cultura Mexicana.
Aunque algunas vivencias se empeñen en amargar la vida de muchos seres, la libertad del espìritu se convierte en un aliciente para aliviarlas. El hecho que hayan sucesos amargos le permite a algunas personas encontrarse a sí mismas y desarrollar habilidades impensadas, como el caso de Kahlo quien se refugiò en la pintura a raiz de su accidente permitiendole dar vida a creaciones que hoy en día son muy valoradas.
Sus diversos amantes tanto hombres como mujeres le permitieron despojarse de la doble moral de la època y la convirtieron en un ìcono de mujer rebelde.
PELICULA LA OLA
Esta película es un llamado de atención acerca de como los seres humanos siguen muchas veces, sin ideales propios, colectividades sin fundamento, sólo porque existe un abanderado de un tema. Ese tipo de conductas pueden conllevar al fracaso o a la gloria. La reflexión más importante acerca del tema es hasta que punto los seres humanos pueden llegar a defender sus ideales sin afectar al otro. ¿En que momento se dejan convencer de una mayoría? y ¿De que manera reconocen si al movimiento que siguen está en lo correcto? Es importante hacer una retroinspección y verificar que tan sólidos son los principios y el carácter de cada quien, antes de seguir un movimiento. No se puede hablar de un alma colectiva, cuándo esta se encuentra compuesta de seres tan únicos y particulares, no se puede pensar un una colectividad como un sólo cerebro, pues hay un momento en el que alguno se revela y se genera un conflicto. ¿Cuantas de esas colectividades y movimientos han perdurado en la historia?TRAILER LA OLAMECANIZACIÓN DE LA TIPOGRAFÍA
La revolución industrial fué mas que un periódico histórico, es una época de cambio social y económico. La energía fué el mecanismo para que se gestara un cambio de la sociedad agrícola a la industrial. Antes de crearse la máquina de vapor las fuentes de enrgía era la humana y la animal. Durante las tres última décadas del siglo XX la electricidad y los motores a gasolina aumentaron la productividad. Se dejaron los campos para trabajar en la industria,se ampliaron los capitales y el conocimiento científico se aplicó a los procesos.
La inversión de capital en máquinas se convirtió en la base para el cambio en la industria, el creciente consumismo de la sociedad industrializada impulsó el desarrollo tecnológico. Dentro de este nuevo fenómeno las Artes Gráficas desempeñaron un papel importante.
La mayor igualdad humana después de la Revoluciön Francesa y la americana produjo un crecimiento en la educación y en la alfabetización. La tecnológiahizo posible la reducción de los costos de los medios impresos y elevó su producción. Se dió entonces inicio a la comunicación de masas.
En el transcurso del siglo XX se fragmentó las comunicaciones gráficas en componentes de diseño y producción. La naturaleza de la comunicación visual cambió y la variedad de tamaños tipográficos y estilos de letras aumentó. La invención de la fotografía y los medios para su impresión ampliaron el significado de la documentación visual e información pictórica. La aplicación de color a las imágenes lograron la inclusión de la sociedad marginada, pues en más casas se colgaban cuadros coloridos que inicialmente eran de acceso en una clase privilegiada. Fué un periodo para el diseño de tipos egipcios, lujosos y algunos extravagantes.
Innovaciones en la tipografía
Las primeras décadas del siglo XIX atestiguaron una explosión de diseños de tipos sin precedente. Inglaterra desempeñó un papel muy importante, los fundidores en Londres lograron grandes innovaciones.
Joseph Jackson y Thomas Colterrell se convirtieron en prósperos diseñadores y fundidores de tipos. Cotterell introdujo la tendencia de letras gruesas y pesadas.
Vicent Figgins introdujo las fuentes tridimensionales. Al final de siglo Fggins había diseñado y fundido una gran variedad de letras romana y había comenzado a producir caracteres tipográficos para eruditos y extranjeros Una variación adicional fué la profundidad de las sombra que iban desde trazos delgados a lápiz hasta perspectivas profunda.
La mecanización del proceso de fabricación durante la revolución industrial hizo que la aplicación de la decoración fuera más económica y eficiente. Durante la primera mitad de siglo retratos, motivos florales y diseños decorativos fueron aplicados en muestras de tipos de letras.
La tercera innovación tipográfica a principios de siglo fue el tipo Sans-Serif cuya característica fué la ausencia de patines. Al principio se usó con timidéz pero con el tiempo se adoptó hasta en Alemania.
El cartel de caracteres de madera
El manejo de los tipos de metal se hacía complejo así que un impresor estadounidense llamado Darius Wells introdujo los caracteres de madera tallados a mano, teniendo una acogida en el diseño de carteles y pliegos sueltos por ser más económicos. En el siglo XVIII el trabajo de impresión era una actividad suplementaria de los periódicos y libros mientras que en el sigloXX el diseño gráfico de volantes y carteles era importante. Las palabras importante empezaron a enfatizarse con un mayor tamaño.
Las casa tipográficas entraron en decadencia pues los adelantos en la litografía impresa dieron lugar a carteles mejor ilustrados y con mayor colorido. El aumento de las revistas y periódicos con espacio publiciatario desplazaron a los carteles.
La revolución en la impresión
Los inventores aplicaron mecánica y parts metálicas a la prensa de mano con lo que se incrementó la eficiencia.
Lord Stanhope diseñó una prensa de impresión con partes de hierro en 1800 pero esta fué desplazada por la del alemán Friedich Koeing, quién con el patrocinio de Thomas Bensley en 1887, creó una prensa que imprimía mas hojas que la manual de Stanhope y que funcionaba a vapor.
John Walter del periódico Times de londres contrató a Koeing y en su máquina se imprimió el primer periódico en Inglaterra producido en serie. El adelanto revolucionó el medio pues las noticias se contaban con poco tiempo de haber sucedido.
En 1815 William Cowper diseñó una prensa que hacía 2400 impresiones por hora y en 1827 una que imprimía 4000 hojas por ambos lados. Por todo Europa y Estados Unidos se reemplazaron las prensas manuales por las de vapor.
La impresión a alta velocidad no sería posible sin el papel. en 1798 Nicolas Louis Robert, de Francia, desarrolló un prototipo para una máquina de fabricación de papel que luego fué paptentada por Jhon Gamble en iglaterra hacia el año 1803. La priemera máquina de produción depapel operaba en Frogmore Inglaterra.
La mecanización de la tipografia
En el siglo XIX cada tipo para cada palabra en un periódico o revista se debía acomodar a mano. Hasta que se diseñó la primera patente de una máquina de agrupación de tipos en 1825 y esta fué perfeccionada por Ottmar Mergenthaler en 1886 con su máquina de linotipo que incluía el uso de pequeños moldes de bronce con impresiones negativas de las formas de las letras, números y símbolos. La nueva tecnología desplazó el trabajo de muchos cajistas y a la vez nuevos trabajos se generaron con el incremento del material gráfico. Los precios de los periódicos decayeron y la impresión de libros se multiplicó.
Hacia 1887 Tolbert Laston creó la máquina de monotipo la cuál forma caracteres individuales a partir del metal fundido aunque sólo 10 años después se implementó su uso.
Los avances tennológicos hicieron que se mecanizara la tipografía y que se imprimiera en papel fabricado en máquinas con prensas de alta velocidad, accionadas con motores de vapor. Se propagó el conocimiento y la educación colaboró con la disminución del analfabetismo así mismo se dió inicio a la comunicación masiva.
UNA EPOCA DE GENIOS TIPOGRÁFICOS
Louis Rene Luce creó una gran serie de orillos y de letras impresas ornamentadasen trofeos junto con otros símbolos variados y de una excelente calidad de impresión.
El Estilo Moderno
Giambattista Badoni se formó en la propaganda de Fide, la prensa que imprimia propaganda de material misionero en Roma. Luego se haría cargo de la prensa oficial del duque de Parma. Bodoni tomó el liderato en la revolución de las letras desplazando el estilo Rococo fuera de moda, creó tipos con apariencia más alta y geométrica.
La estandarización en la medida y construcción de las formas marcó la muerte de la escritura con fuente de diseños de tipos y el final del tallado y trazado impreciso de los tipos primitivos. La nitidéz de los diseños gráficos de Bodoni tiene afinidad con la tipografía del siglo XX.
En los años decadentes del siglo XVIII se imprimieron las poesias de Robert Blake sin quedarse atrás Inglaterra con los impresos de Chakeaspeare. Este siglo termina con las revoluciones políticas de Francia y las colonias américanas. los cambios fueron evidentes en una sociedad agraria y rural a una sociedad industrial. Hasta las comunicaciones sufrieron profundos cambios.
DISEÑO GRÀFICO EN EL RENACIMIENTO
EL LIBRO ALEMÀN ILUSTRADO"Incunabula" es el nombre que le dieron los escritores del siglo XVIII a la època històrica en la que se imprimió millones de libros. La imprenta se expandió rápidamente en Europa lo que generó un malestar en los copistas, que pedìan una indemnización a los dueños de las tipografias. Según Alfred Whitehead "El mayor avance técnico es un proceso que arruina la sociedad en la que se dá" . La tipografía es el invento más importante en las comunicaciones mucho mas que la escritura y las comunicaciones masivas del siglo XX, es la cuna donde se gestan la revolución de la economía, la sociedad y la religión a partir de los siglos XV y XVI. El modernismo impulsó la revolución de Norte Americana y la francesa en el siglo XVII.
La imprenta fué el medio para la propagación de ideas y también colaboró con la disminución del analfabetismo. El invento de Gutembert es la primera mecanización de una habilidad manual que màs adelante dará lugar a la Revolución industrial. Es la época del renacimiento y el auge de la literatura.
Martin Lutero expuso sus tesis con la ayuda de la imprenta, lo que generó una división en la religión.
El primer libro ilustrado fue diseñado en Alemania por Fust Schoefferer con una máxima expresión de diseño gráfico. Esta portada se hacía con figuras de madera. Otros sucedieron a Fust como Der Ackerman Aits Bohmen en 1460 dando así origen al primer libro tipográfico. Para le época se imprimió libros con ilustraciones de diferentes temas desde religión hasta medicina. Esta vez los artesanos se encargaban de tallar las figuras de madera que serían impresas en los libros. La creatividad de los ilustradores les permitió plasmar cosas nunca antes vistas entre las más significativas y famosas El Apocalipsis por Alberto Durero.
La imprenta se expandió en los diferentes paises de Europa. Llegó a Francia en 1470 con un libro destacado: La Cite de Dieu, también por este mismo año en Inglaterra siendo su mayor exponente William Caxton y en España en 1473. A los paises americanos llegó en 1942 con el descubrimiento del nuevo mundo sinembargo, solo hasta 1539 se estableció la primera imprenta en México.
LA WWWW Y EL INTERNET
El inicio de la Internet se da en los años 60. En plena guerra fría, Estados Unidos crea una red exclusivamente militar, con el objetivo de que, en el hipotético caso de un ataque ruso, se pudiera tener acceso a la información militar desde cualquier punto del país. Esta red se creó en 1969 y se llamó ARPANET. Dos investigadores crearon el Protocolo TCP/IP, que se convirtió en el estándar de comunicaciones dentro de las redes informáticas (actualmente seguimos utilizando dicho protocolo).ARPANET siguió creciendo y abriéndose al mundo, y cualquier persona con fines académicos o de investigación podía tener acceso a la red. Las funciones militares se desligaron de ARPANET y fueron a parar a MILNET, una nueva red creada por los Estados Unidos.
La NSF (National Science Fundation) crea su propia red informática llamada NSFNET, que más tarde absorbe a ARPANET, creando así una gran red con propósitos científicos y académicos. El desarrollo de las redes fue abismal, y se crean nuevas redes de libre acceso que más tarde se unen a NSFNET, formando de lo que hoy conocemos como INTERNET.
En 1985 la Internet ya era una tecnología establecida, aunque conocida por unos pocos. El autor William Gibson hizo una revelación: el término "ciberespacio". En ese tiempo la red era basicamente textual, así que el autor se baso en los videojuegos. Con el tiempo la palabra "ciberespacio" terminó por ser sinonimo de Internet.
En el Centro Europeo de Investigaciones Nucleares (CERN), Tim Berners Lee dirigía la búsqueda de un sistema de almacenamiento y recuperación de datos. Berners Lee retomó la idea de Ted Nelson (un proyecto llamado "Xanadú" ) de usar hipervínculos. Robert Caillau quien cooperó con el proyecto, cuanta que en 1990 deciden ponerle un nombre al sistema y lo llamarón World Wide Web (WWW) o telaraña mundial.
La nueva formula permitía vincular información en forma lógica y a través de las redes. El contenido se programaba en un lenguaje de hipertexto con "etíquetas" que asignaban una función a cada parte del contenido. Luego, un programa de computación, un intérprete, eran capaz de leer esas etiquetas para desplegar la información. Ese intérprete sería conocido como "navegador" o "browser".
En 1993 Marc Andreesen produjo la primera versión del navegador "Mosaic", que permitió acceder con mayor naturalidad a la WWW. Poco después Andreesen encabezó la creación del programa Netscape.Apartir de entonces Internet comenzó a crecer más rápido que otro medio de comunicación, convirtiéndose en lo que hoy todos conocemos.
Algunos de los servicios disponibles en Internet aparte de la WEB son el acceso remoto a otras máquinas por ejemplo los archivos de descargue de la red.
===LOUIS BRAILLE Y LA ESCRITURA PARA CIEGOS=
Apesar de haberse quedado a tan corta edad ciego, Louis Braille fuè un destacado estudiante que no se conformò con su condiciòn y se esmerò por aprender aùn sin poder ver. Fuè enviado a una escuela especial para invidentes y allì reformò un sistema, ya inventado por unos de su profesores, y lo mejorò hasta el punto de obtener el reconocimiento del alafabeto especial para ciegos luego de que muriera a quejado por una tuberculosis. De no ser por su aporte hoy en dia las personan con estas condiciones estarìa màs aisladas y relegadas de ejercer alguna profesiòn u oficio. Sus aprte ha sido tan importante hasta el punto de ser adapatado a diferentes idiomas en el mundo y ha servido de guía para aquellos que con las nuevas tecnològias buscan mejorar la calidad de vida de la personas invidentes
En una època en la que los copistas eran los encargados de plasmar en sus manuscritos tanto religiosos còmo de ciencias y màs adelante mediante la creaciòn de la Xilografìa, tècnica que consistia en trabajabar el texto en hueco sobre una tablilla de madera incluyendo los dibujos, Johannes Gutemberg le apostò a mejorar el tiempo que tomaba la "impresiòn" de algunos de estos textos, siendo su mayor ambiciòn transcribir varias copias de la Biblia. Aunque quebrò con su idea si dejò un gran a porte para el futuro de las artes gràficas e impresas. Por fortuna hoy en dia contamos con la imprenta que le sirviò al hombre para la transmisiòn de conocimiento y culturizaciòn de los pueblos. La revolución cultural que se ha experimentado gracias al invento de Gutemberg es magnífica pues el saber escrito dejó de ser patrimonio de una élite y se extendió a amplias capas de la población. La escritura fue sustituyendo a la tradición oral como forma privilegiada para transmitir conocimientos, a la par que las publicaciones impresas, como libros o periódicos, se generalizaron. A principios del siglo XX la escritura impresa ya era el medio predominante en Occidente para la difusión del saber. Además de su enorme significado para la religión, la política y las artes en general, fue este un avance tecnológico que facilitó todos los demás que le siguieron cómo el invento del computador y la internet que han ido desplazando los textos escritos por textos digitales.
EJERCICIO DE CREATIVIDAD
En un rincòn de la ciudad una joven lloraba a causa de un desamor, pues habìa sido engañada por el hombre que màs habìa amado en su vida.Tristemente aquel hombre tenìa una vida llena de problemas y habia arratrado a ella tambièn. El le habìa sido infiel y ella sentìa un profunda tristeza que la llevaba a tener los peores pensamientos incluso, acabar con su vida lanzàndose del sèptimo piso de dònde vivìa. Al poco tiempo su amado decidiò buscarla y pedirle que se casaran. Con el dolor que sentìa y el amor que aùn le profesaba ella lo rechazò, argumentando que asì no se iba a rezarcir todo el daño que le habìa cusado. El muy apesadumbrado por su negativa se retira y sigue insistiendo por unos dìas màs.Ella, luego de pensarlo por algunos dias se da cuenta que a pesar de todo el daño lo sigue amando asì que regresa con el y le concede el perdòn. Finalmente se casan y hasta el dia de hoy son felices.
Esta historia se aplica no sòlo para una historia de amor, sino tambièn para diferentes aspectos de la vida si perdonamos los agravios que recibimos de terceros en el mundo habrìa mas tolerancia y vivirìamos mejor.
Y, ¿COMO ERAN LOS ZAPATOS EN EL RENACIMIENTO?
http://www.google.com/search?q=ZAPATOS+EN+EL+RENACIMIENTO&hl=es&client=safari&rls=en&prmd=ivns&source=lnms&tbm=isch&ei=qdF3TuSoC8rAgQfaiKDEBw&sa=X&oi=mode_link&ct=mode&cd=2&ved=0CAQQ_AUoAQSiempre he tenido gran fascinación por los zapatos, podría sonar materialista, pero los amo, así que decidí averiguar un poco más de sus historia y sobre todo en el renacimineto. Según la historia, el calzado en el reancimiento, hacia el siglo XV tenía diferentes materiales pero tenían una carencia en común: no tenían taco ni zuela sienmbargo, los stándares de calidad eran altos y los artesanos ern quienes tenián encomendado dicha labor, tanto hombres como mujeres los usaban. Dentro de los materiales más comunes estaban el cuero, la tela, la lana y tela de tapicería,aunque la mayoría de estos materiales no eran impermeables.
Si bien no era fácil ver los zapatos debajo de los vestidos largos del período, sabemos que el calzado de las mujeres consistía en babuchas de tela delicada -brocado, seda bordada o cuero- pero, justamente esa fragilidad hizo que hubiera que resguardarlos del barro, por lo que comenzó a usarse un protector, es decir una base de madera con capellada sobre la cual se montaba el zapato.
Así nació el chopin en Venecia para extenderse rápidamente por el resto de Europa. pero resultaba incómo caminar con ellos ya que algunos tendrían hasta 80 cm y se hacia necesaria la ayuda de criados para caminar. La iglesia lo aprbó pensando que por la incomodiad la gente saldría menos a bailar y menos vida mundana, de esa forma se ahorrarian, verios problemas pero no fué asi.
En esa misma época, las damas europeas usaban pantuflas de cuero o tela bordada, y, desde la boda de Catalina de Médicis, se pondrían de moda en Francia los zapatos con taco. Se dice que ella los introdujo dada su baja estatura.Durante este período, las botas y los borceguíes cortos fueron desechados y se usaron únicamente para montar o por los soldados. Estas botas a la altura de la rodilla eran amplias para facilitar la flexión de la rodilla.Los tacos tuvieron la finalidad de evitar que los pies del jinete se deslizaran de los estribos. Aunque los tacos aparecieron en las botas desde el año 1500, sólo se incorporaron a los zapatos en el siglo XVI.En Francia, en el siglo XVI introducir el pie en el zapato de moda no era una acción que se pudiera llevar a cabo con naturalidad, eran tan estrechos que antes de intentarlo había que colocar los pies en agua helada al menos durante una hora.====Renacimiento temprano 1520 – 1560 - Manierismo====El calzado de este período era predominantemente de cuero y armonizó con la anchura de los trajes. La puntera roma de los zapatos del período anterior continuó ensanchándose. Los hombres y mujeres lucían calzado similar, aunque la anchura de la puntera mayor en los zapatos de los hombres.
El zapato de trabajo de los campesinos en Francia y los Países Bajos, era un zueco tosco, formado de un bloque sólido de madera. Hubo una versión tallada y pintada de este zapato para ocasiones especiales.
Campesinos de otras regiones usaban los chanclos o galochas, cuya base también era de madera con capellada de cuero y la finalidad proteger del fango, el agua y la nieve.
Para las mujeres, el calzado era de colores delicados, elegantemente realizado en terciopelo, seda y otras telas, aunque con el tiempo se fue utilizando más el cuero.
1560 - 1620
Durante este período, la moda fue influenciada por España. Las telas fueron endurecidas y adornadas con bordado o joyería metálica.
Preferían las sedas y el terciopelo oscuro y las alhajas. Muchos de los zapatos que usaron los hombres a partir de este período todavía existen y se pueden ver en museos alrededor del mundo.
Durante el reinado de Elizabeth, aparecen los tacones, los zapatos se hacen finalmente más angostos, el pie está más cubierto por la capellada y sobre ella suele descansar un rosetón.
Este período se caracteriza por el uso de cordones, o lazos anudando las lengüetas laterales sobre el centro de la capellada.
El zapato liso, cerrado, con capellada no muy alta, fue el usado principalmente por los lacayos y se menciona por primera vez en la época de Elizabeth I.
Los hombres calzaban zapatos angostos, con tacones y prominentes rosetones. Aún seguían usándose los chopines para transitar en calles sucias.
Los zapatos de las mujeres fueron vistos raramente en este período, pues se perdían cubiertos por las faldas largas. Tenían un tacón relativamente suave, generalmente de no más de dos pulgadas de alto. Las suelas eran de corcho. La puntera era levemente redondeada. Los zapatos de las damas tenían lengüetas altas y Elizabeth usaba las lengüetas de la seda blanca para combinar con su ropa del mismo color.
Ha trascendido que la reina estaba muy orgullosa de sus minúsculos pies e hizo acortar sus faldas apenas sobre el tobillo para exhibirlos.
La seda y los brocados bordados fueron los materiales preferidos, el bordado podía estar realizado en hilos de brillantes colores o de oro. Los zapatos de este período fueron hechos predominantemente de cuero fino y suave o áspero, dependiendo del precio.
El corcho era un material popular para la suela. El taco de esta época se hacía con una cuña de corcho colocada sobre la suela de cuero a la altura del talón, para elevarlo. Pronto se desarrolló en un tacón verdadero, aunque el zapato conservó la suela pie completa hasta atrás.
Los tacones nuevos fueron hechos de corcho o madera, pero se podían forrar con la misma tela del zapato. Más adelante, los tacones de los zapatos de hombres fueron hechos de cuero. El frente del zapato ganó altura hasta que se convirtió en una lengüeta, ésta fue coloreada a menudo para combinar con las ropas.
El bordado tenía un lugar importante en la moda inglesa. Después de la Reforma, los artesanos que habían creado el bordado eclesiástico utilizaron sus talentos en ropa y zapatos.
Todos los colores posibles fueron usados para realizar los tacones nuevos: azafrán, negro,blanco, rojo, verde, azul, amarillo y rosa se pueden ver en pinturas de la época o museos.
¿QUE ES ARTE?
Arte, no es aquello que sólo proyecta cosas bellas, o ¿Quién tiene la verdad sobre lo que es políticamente bello?. La belleza es subjetiva y el arte tine un significado más asociado a los sentimientos y al conocimiento de una actividad en particular. El valor de arte lo dará cada quién , deacuerdo a las competencias adquiridas en el trascurso de su vida. Entonces, el artista seria aquel que tiene la capacidad y el conocimiento para desarrollar una labor determinada, toda persona que puede reflejar en su obra la particularidad de una emoción. Y las emociones que se despiertan en un ser humano, no son solamente aquellas asociadas a una inclinación benébola también, provienen de la parte más oscura del alma. Quien tenga la capacidad de despertar, en el resto de sus congéneres, sensibilidad es un artista. Cada persona que cultive y desarrolle una disciplina, que de cabida a transformar con su obra el pensamiento humano, es un virtuoso en potencia. El arte es un vehículo para la tranformación del comportamiento humano.
COMO MIRAR UN CUADRO
=PIERRE AUGUSTE RENOIR: “Bal au moulin de la Galette“, 1876
PIERRE AUGUSTE RENOIR: “Bal au moulin de la Galette“, 1876
"Baile en el molino de la Gallette", es una obra de la corriente impresionista en la que el artista plasma una escena con gran realismo de la época en la que se desarrolla,aparentemente burgueses de la antigua Francia, podemos apreciar un grupo de personas que se encuentran departiendo en una concurrida plaza, al fondo varias parejas que parecen difrutar de un baile, e incluso involucra una niña que haría pensar que hace parte de una familia que disfruta del evento, el artista es fiel al realismo de los personajes que componen la obra y usa colores frios con pinceladas precisas que exaltan la belleza con sumo cuidado en la creación de cada figura, también se aprecia la naturaleza muerta que le da armonía a unos de los cuadros clásicos del siglo XIX.
PABLO PICASSO: “Dora Maar au chat”, 1941
PABLO PICASSO: “Dora Maar au chat”, 1941
PABLO PICASSO: “Dora Maar au chat”, 1941
La unión de varios trazos, en su mayoria rectos van dando forma a lo que es el vestido del personaje con algunas figuras geométricas que le dan una apariencia tridimensional. Por las caracteristicas de los trazos es dificil apreciar una figura que se acerque a la realidad, es amorfa,con rasgos asimétricos pero se puede deducir que es una figura femenina. En el fondo se distingue un rectángulo y algunos triángulos que dan el aspecto de estar dentro de una caja o un cuarto pequeño. Que obedece a la crriente en donde mejor se puede ubicar al artista: el cubismo. Quizá para Picasso la belleza no la plasmó con trazos delicados y curvilineos, sino con estos más definidos y cuadriculados, tal vez para él en esta pieza no era tan importante la simetría y deseaba romper las reglas de la estética que regía desarrollar el arte de la pintura. Dueño de un estilo diferente, que dista de el realismo de la obra anteriormente analizada.
PIETRO CAVALLINI: "La crucifixión"
En esta pintura de Cavallini, se puede apreciar la escena de la crucifixión. En el centro Jesús crucificado, que es la imagen que llama la atención en primera instancia, luego a los lados, a la altura de los brazos del cristo, dos edificaciones en una ubicación lineal, que pueden representar la Iglesia. Debajo de los brazos del crucifijo se encuentran: a la izquierda la Virgen María y un apóstol a la derecha, detrás de la virgen un santo que sostiene las sagradas escrituras y detrás del apóstol otro personaje que tiene en su mano una rama. Posee un fondo oscuro, que resalta las figuras céntricas: Jesús, Maria y el apóstol que estan pintados con tonos cálidos y sobresalen del resto de elmentos en tonos neutros. Cada figura guarda la proporción dentro del cuadro y su proxémica es equidistante, viéndolo del centro a la izquierda y del centro a la derecha.
JOSE MANUEL MERELLO: "El pequeño guardián de la corista"JOSE MANUEL MERELLO: "El pequeño guardián de la corista"
En esta obra de Juan Manuel Merello se aprecia un juego cromático, se pueden distinguir una amplia gama de tonos cálidos que hacen juego con la pequeña inclusión de tonos frios. Sobresale el amarillo, naranja y diferentes tonalidades del rojo, colores que impactan por su energia emocional. En cuanto a la figura como tal, el desnudo es una representación de la intimidad y la guitarra la representación del arte, de lo cuál podriamos deducir que el artista desea reflejar el momento emotivo e íntimo que le produce su encuentro con el arte, es una expresión íntima y alegre de él, que representa su inspiración artística.
LA HISTORIA DE MI VIDA
EL LUGAR DONDE ME SIENTO MÁS COMODA